1959年静岡県沼津市生まれ。 公園、塚、銭湯、プール、神社仏閣など、屋内・外のさまざまな場所でインスタレーション作品を制作してきました。 近年のテーマは、空間における「こちら側/向こう側」、平面における「表/裏(両面性)」です。

私たちを取り巻く世界は、生と死、政治的な分断、人間の心の中にある思考と現実......。 それらは越えられそうで越えられない2つの世界とそこに立ちはだかる壁や崖を思い起こします。

ところで古い本を食い荒らす「紙魚(シミ)」という昆虫がいますが、私の場合、この昆虫が紙を食べながらこちら側と向こう側を行ったり来たりしているようなイメージで制作が進みます。そして展示場所が制作時間とともに作品を醸成していきます。


Born in 1959 in Numazu, Shizuoka Prefecture, Takao Iguchi has created installation works in diverse settings, including parks, mounds, public baths, swimming pools, and temples and shrines. His practice has recently focused on the themes of “this side/the other side” in relation to space, and “front/back (duality)” in relation to the pictorial plane.

The world we inhabit constantly evokes a sense of dual realms that are near yet uncrossable: life and death, political divides, and the boundary between thought and reality within the human mind. These appear as walls or cliffs that stand firmly between the two.

There is an insect known as the silverfish that feeds on old books. Takao envisions this insect consuming paper as he moves back and forth between “this side” and “the other side.” The space evolves alongside the work as time is dedicated to its creation.

松島誠 Makoto Matsushima
沼津市生まれのパフォーマー、演出家、美術家。
1983年から2006年までパパ・タラフマラに在籍。
1995年よりソロ活動。2006年完全即興ユニット「NORUKASORUKA」を結成。
2021年、松島礼、花とともに家族パフォーマンスユニット「松島家」をスタートする。
2008、2010、2018年 韓国国立芸術大学(KNUA)舞踊科 客員教授
2021、2022年 武蔵野美術大学空間演出デザイン学科 非常勤講師

Makoto Matsushima is a performer, director, and visual artist born in Numazu, Japan. From 1983 to 2006, Makoto was a member of the performance company Pappa Tarahumara. He began working independently in 1995 and, in 2006, founded the fully improvised performance unit NORUKASORUKA. In 2021, he launched Matsushima Family, a family-based performance unit, together with Rei Matsushima and Hana Matsushima.
He has also been active as an educator: Guest Professor in the Department of Dance at the Korea National University of Arts (2008, 2010, 2018), and Part-time Lecturer in the Department of Scenography, Display, and Fashion Design at Musashino Art University (2021, 2022).


イマコラボ Ima Collab
2022年に演出家チャン・チュウヘイによって中国・香港を拠点に設立。
協働プラットフォーム名のIma Collabは「イメージ・メイキング」「イメージ」「今」に由来し、ベテランと意欲的な若手、様々な分野の演劇人がコラボレーションすることによって、次世代の演劇人を育成することに重きを置いている。
2022年、フランス、メイ・アーツ・フェスティバルにジャン=ミッシェル・リブの「Theatre sans animaux : 動物がいない劇場」で参加。
近年の作品「キャンディード」では、エディンバラ・フェスティバル・フリンジ2023のアジア芸術最優秀演出賞の次点に選ばれ、ミラノ、ワルシャワ、チョンソン、テグで上演された。
2024年原泉アートデイズ！では松島誠と香港の新進気鋭の俳優3名、イマ・コラボの「360若手俳優育成プログラム」の研修生8名とともに新作「Drip,Drop,Fall,Leak」上演。

Founded in 2022 in Hong Kong, China, by director Chan Chu-hei, Ima Collab is a collaborative platform whose name derives from “image-making,” “image,” and “ima” (“now” in Japanese). The company places a strong emphasis on nurturing the next generation of theater makers by bringing together veteran artists and ambitious emerging talents across disciplines.
In 2022, Ima Collab participated in the May Arts Festival in France with Jean-Michel Ribes’ Théâtre sans animaux (Theatre Without Animals). Their recent production of Candide was a runner-up for Best Asian Arts Direction at the 2023 Edinburgh Festival Fringe and has since been performed in Milan, Warsaw, Jeongseon, and Daegu.
During Haraizumi Art Days! in 2024 in Japan, Ima Collab introduced a new work titled Drip, Drop, Fall, Leak, created in collaboration with Makoto Matsushima, three emerging actors from Hong Kong, and eight trainees from the company’s 360 Young Actor Training Program.

ニューヨーク・ブルックリン在住のイラストレーター、グラフィックデザイナー、マルチメディア・アーティスト。神話や自然、社会問題、人間の営みといったテーマから着想を得ており、重要な課題への関心を高め、好奇心を喚起することを目的としている。Rolling Stone UK、マクミラン出版、カートゥーン・スタディーズ・センターなど、多様なクライアントと仕事をしてきた。昨年に引き続き原泉を訪れることを大変嬉しく思っている。

Moss Bastille is an illustrator, graphic designer, and multimedia artist living in Brooklyn, New York. His work is often inspired by themes from mythology, nature, social issues, and the human experience; his goal is to raise awareness for important issues and encourage curiosity. Moss has worked with a variety of clients including Rolling Stone UK, Macmillan Publishing, The Center for Cartoon Studies, and more. He’s thrilled to return to Haraizumi for the second year in a row.

ハンブルクを拠点に活動するアーティスト／写真家。ムテジウス美術大学（ドイツ・キール）卒業。ドキュメンタリーとフィクションのあいだに位置する物語の創出に焦点を当てており、主に写真を用い、ときに映像や音、言葉を取り入れて表現する。展示や出版に携わる際は、異なるシリーズから写真を脱文脈化・再文脈化し、他のアーティストとの共同制作や共著のかたちで、時間や空間の整合性にとらわれないエッセイ的なナラティブを紡ぎ出すことが多い。

作品はヨーロッパ、アジア、南アフリカ、アメリカで個展やグループ展として発表されている。中国や日本でアーティスト・イン・レジデンスに参加し、国際的な共同プロジェクトの企画やキュレーションも行う。これまでに多数のアーティストブックやZINEを自主出版している。[sic!] Artist Collective共同設立者。Atelierhaus Breite Straße（ドイツ・ハンブルグ）のレジデント・アーティスト。


Fabian Hammerl is a Hamburg-based artist/photographer. He graduated from Muthesius University of Fine Arts and Design in Kiel, Germany.
In his work, Fabian focuses on creating narratives nestled between documentary and fiction, mainly using photography, occasionally admixing film, sound, and words.
For exhibition and book projects, Fabian de- and re-contextualises photographs from different series, often in collaboration with other artists or in shared authorship, formulating essayistic narratives with a freewheeling approach towards temporal and spatial coherence.
His work has been exhibited in group and solo shows in Europe, Asia, South Africa, and the US. He has been participating in artist residencies in China and Japan, and is organising and curating international collaborative projects.
Fabian has self-published a number of artist books and zines.
He is the co-founder of [sic!] Artist Collective and resident at Atelierhaus Breite Straße in Hamburg, Germany.

www.fabian-hammerl.de
Instagram: @fabian.hammerl

大阪府出身の民俗学研究者。日常にひそむ「俗」や地域に根ざした行事・語りに深く惹かれ、全国各地を巡りながらフィールドワークを重ねている。修験道の山岳修行や都市祭礼の担い手としての経験を持ち、民俗行事の準備段階から片付け、宴会まで地域の人びととともに関わることを重要視している。

こうした現場での体験を通じて地域の語りやモノを収集し、そこに存在する民俗空間を作品として表現。全国を旅する中で出会った古老たちから聞いた話や場所での経験が制作の原動力となっている。過去と現在を編み直し「今ここ」にある日常を見つめ直すことで、民俗学の視点から現代社会の様相を照らし出す。


Takuto Yamamoto is a folklorist from Osaka, Japan. Drawn to the “zoku (vernacular)” hidden in everyday life as well as to community-based rituals and oral traditions, he conducts extensive fieldwork while traveling across the country. With experience in both mountain ascetic practices of Shugendō and in carrying roles within urban festivals, he places importance on being involved with local communities throughout the entire process of folk events—from preparation to cleanup, and even the celebratory gatherings that follow.

Through these lived experiences, Takuto collects stories and objects, reinterpreting the folk spaces as artistic expressions. Interactions with elders and experiences tied to particular locations during his travels inspire his work. By weaving together past and present and reexamining the everyday life of “here and now,” he seeks to shed light on contemporary society from a folkloristic perspective.

実験的マルチインストゥルメンタリストとして、場に即した即興演奏を中心にトランスディシプリナリーなアプローチをとり、空間とそこに集う人々（共演者や観客）をつなぐことを目指してミニマルで多面的な音を探求する。（非）空間、（物質）循環、（無）時間、退屈、エラー、持続、受容、相互作用、反復といったテーマを軸にインスタレーティブな作品を展開し、これらの要素を通じて、自身とリスナーが共に内在的でトランスのような状態に没入し、恍惚的な時間を共有することを試みている。

地理学を学んだ後、サブカルチャー的な場で活動を始め、セッションやコンサート、展覧会、共同インスタレーションを企画してきた。現在はギャラリープロジェクトに携わり、小規模な実験音楽レーベルを共同運営するほか、複数のバンドでも活動。近年は特に、演劇、ダンス、コンテンポラリーサーカスといったインスタレーティブなコラボレーションに重きをおいている。


Lukas Kannemann is an experimental multi-instrumentalist whose transdisciplinary practice centers on in-situ improvisations, aiming to connect (non)spaces and their occupants – both collaborators and audience – through minimalistic, multifaceted sonic explorations. His installative works and performances revolve around themes such as (non)spaces, (material) cycles, time(lessness), boredom, error, persistence, acceptance, interaction, and repetition. These elements become tools in his search for an intrinsic, trance-like state that carries both himself and the listener into a shared moment of sonic bliss.

With a background in geography, Lukas became active in subcultural spaces, organizing open sessions, concerts, exhibitions, and collaborative installations. He is involved in a gallery project, co-runs a small experimental label, and plays in several bands. His current focus lies on installative collaborations, particularly with theatre, dance, and contemporary circus productions.

1984年、杭州生まれ。杭州（中国）、ミュンヘン（ドイツ）、日本を拠点に活動するアーティスト。現在は絵画という形式を通して表される心理的風景を中心に研究している。脳内の記憶の断片は、森や川、周囲の気象条件と人間の心に残る印象が結びついたものである。

「私は、自分が見たいものを描く。」
人生においても芸術においても、アーティストは「通常の状態」を追い求めない。東洋と西洋の文化の間でも、さまざまな芸術形式の中でも、彼女は常にアウトサイダーである。その風景画は、この自由な交錯の体現でもある。現在の作品は、使用する素材や他の芸術形式に助けを得ながら、これまで学んできた美術史や自然に属する屋内での制作や屋外世界から少しずつ距離を取り始めている。長年の観察と実践を経て、作品は自立的に成長できるようになり、その過程の中で独自の姿を見出している。


Jie Li (1984, Hangzhou) lives and works in Hangzhou, China and Munich, Germany, and Japan
Jie Li’s current research direction is the psychological landscape presented in the form of painting. The memory fragments in the brain are the combined effects of forests, rivers, and the surrounding meteorological conditions, and the impressions in the human mind.

"I paint what I want to see." Whether in life or art, the artist does not pursue a normal state. She is an outsider in Eastern and Western cultures, an outsider in various art forms. Her landscape is also the embodiment of this free interweaving. The current works, with the materials involved and the help of other art forms, is slowly detaching from what she learned, those indoor works and outdoor world that belong to art history or nature. After years of viewing and practice, the works have been able to grow independently. It finds its own reflection on its way.

コンテンポラリーサーカスと実験音楽が交差する点で活動するマルチディシプリナリーなアート・コレクティブ。動き、音、空間を織り合わせ、生々しく変容的な体験を生み出すパフォーマンスを行う。伝統的な形式に従うのではなく、それを打ち破り、その瞬間に呼応する切実で生き生きとした作品を創り出している。
すべてのプロジェクトは現場から始まる。EBC-223は、目的が定められていない、慣習から外れた場所に惹かれる。壁に物語を宿し、割れたひびにエネルギーを秘めた場所に着目し、環境に耳を傾け、即興、コラボレーション、空間の再解釈を通じて作品を形づくる。すべてが常に動き続け、何ひとつ固定されない。
その影響はフルクサスやアウトサイダー・アートから、「トータル・アート」の急進的なビジョンにまで及ぶ。ポール・B・プレシアード、ドナ・ハラウェイ、ハンナ・アーレントといった思想家の変容、抵抗、生成の声もその活動に響いている。
しかし、EBC-223は理論にとどまらない。彼らが創り出すのは直接的で身体的、そして共有される体験である。観るためだけでなく、感じるためのパフォーマンス、身体と身体のあいだに新たな空間を開くアートを追求する。


EBC-223 is a multidisciplinary art collective working at the intersection of contemporary circus and experimental music. Their performances weave movement, sound, and space into something raw and transformative. Rather than follow traditional formats, they break them open—creating works that feel urgent, alive, and tuned to the present.
Each project begins on site. EBC-223 is drawn to non-dedicated, unconventional spaces—places that carry stories in their walls, energy in their cracks. They let the environment speak, shaping the work through improvisation, collaboration, and spatial reinvention. Nothing is fixed; everything is in motion.
Their influences stretch from Fluxus and Outsider Art to the radical vision of Total Art. Thinkers like Paul B. Preciado, Donna Haraway, and Hannah Arendt echo through their work—voices of transformation, resistance, and becoming.
But EBC-223 doesn’t stay in theory. They create experiences—direct, physical, and shared. Performances meant not just to be seen, but to be felt. Art that opens a space between bodies.